Graafilise disaini ja veebidisaini legendide panteon, omamoodi visuaalne Olümpos, kus nad koos eksisteerivad. Tüpograafia, brändingu, plakatikujunduse, illustratsiooni ja digitaalse interaktsiooni meistridNende töö on defineerinud terveid ajastuid, muutnud kultuuri tarbimise viisi ja loonud standardi sellele, mida me tänapäeval kvaliteetse disaini all mõistame. Kui te töötate selles valdkonnas – või kaalute seda –, pole nende numbrite tundmine boonus: see on hädavajalik.
Viimase sajandi jooksul on esile kerkinud kümneid võtmeisikuid, alates modernismi pioneeridest kuni kaasaegsed loomeinimesed, kes valdavad digitaalset keskkonda, liideseid ja veebianimatsiooniSelles artiklis oleme koostanud ja ümber korraldanud kogu teabe rahvusvaheliste ja Hispaania disainerite peamistest nimekirjadest, et pakkuda teile põhjalikku juhendit graafiliste ja veebidisainerite kohta, keda peaksite oma radaril hoidma. Näete legendaarseid nimesid nagu Saul Bass, Milton Glaser ja Massimo Vignelli, aga ka kaasaegseid hääli nagu Jessica Walsh, Yugo Nakamura ja Coco Dávez. Paljud neist ilmuvad ikka ja jälle... raamatud disaineritele, koolid ja spetsialiseeritud edetabelid.
Miks need disainerid on olulised
Nende tegelaste valimisel võeti arvesse mitmeid kriteeriume: nende töö mõju visuaalkultuurile, formaalse ja kontseptuaalse innovatsiooni võime ning selle mõju järgnevatele põlvkondadele ja nende töö kestev olulisus (paljud jäävad ikooniks ka aastakümneid hiljem). See ei ole suletud ega lõplik nimekiri, vaid pigem kindel valik disainereid, kes ilmuvad ikka ja jälle raamatutes, koolides ja spetsialiseeritud edetabelites.
Lisaks näete, et profiile on väga erinevaid: Šveitsi millimeetrise ruudustiku disainist kuni 90ndate räpane grunge, albumiümbriste sürreaalsus, ettevõtte disaini minimalistlik puhtus või kaasaegse ajakirjandusliku illustratsiooni erksad värvid. Just selles mitmekesisuses peitubki väärtus: mida laiemad on teie viited, seda rohkem on teil ressursse oma töö jaoks.
Moodsa graafilise disaini klassikaline pärand
20. sajandi graafilise disaini ajalugu ei saa mõista ilma mitmete tegelasteta, kes panid aluse kõigele järgnevale. Paljud neist kinnistasid... Graafiline modernism, formaalne süntees, ruudustik ja tüpograafia ratsionaalne kasutamine universaalsete keeltena.
Paul Rand: ettevõtte logo kuningas
Paul Rand, kes sündis Brooklynis Peretz Rosenbaumi nime all, on üks peamisi põhjuseid, miks me tänapäeval omavahel suhtleme kindla, lihtsa ja strateegilise disainiga ettevõtte identiteetPratti, Parsonsi ja Art Students League'i koolides õppinud mees liikus peagi reklaamindusest suurettevõtete konsultandiks.
Ta on ajalooliste logode autor, näiteks IBM-i, ABC, UPS-i või Westinghouse'i logod, mis on meisterlikud näited sellest, kuidas minimalistlik logo Ta suudab brändi olemuse aastakümnete jooksul kokku võtta. Samuti kujundas ta NeXT-i identiteedi, ettevõtte, mille Steve Jobs lõi pärast Apple'ist lahkumist, näidates üles oma võimet tehnoloogiaga kohaneda, kaotamata seejuures modernistlikku rangust.
Tema suurim panus oli konstruktivismi, De Stijli ja Bauhausi põhimõtete toomine Ameerika Ühendriikidesse, veendes ettevõtteid, et disain ei ole pelgalt dekoratsioon, vaid strateegilise kommunikatsiooni tööriist, mis on täielikult ettevõttega seotudTema kuulus fraas „disain on lihtne, seepärast on see nii keeruline” võtab tema filosoofia üsna hästi kokku.
Josef Müller-Brockmann: võrgust süsteemi tehtud
Kui teil on mugav liikuda veergude, moodulite ja vahede vahel, on see osaliselt tänu Josef Müller-Brockmannile. See Zürichis väljaõppe saanud Šveitsi disainer sai suureks teoreetikuks ja praktikuks. Rahvusvaheline stiil või Šveitsi tüpograafiline stiilkus kord, objektiivsus ja selgus on pühad.
Tema Zürichi Tonhalle kontserdisaali plakatid on asümmeetrilise kompositsiooni, sans serif tüpograafia ja ... kogumik. Täpne geomeetria teabe teenistusesKuid tema peamine panus on raamat "Ruudustiksüsteemid graafilises disainis", mis on tõeline käsiraamat ruudustikega töötamiseks ja mida kasutatakse koolides üle kogu maailma.
Müller-Brockmann väitis, et disainer peaks sõnumi taha kaduma ja et disain peab olema neutraalne ja ökonoomne sõidukSee võib kõlada jäigalt, kuid selle põhimõtted jäävad suure osa toimetusliku disaini, siltide ja laiemalt ka plokkideks ja veergudeks struktureeritud veebidisaini aluseks.
Massimo Vignelli: vähem, aga paremini struktureeritud
Itaallane Massimo Vignelli, kes veetis suure osa oma elust New Yorgis, viis funktsionaalse minimalismi äärmuslikule tasemele. Arhitektuuriharidusega pooldas ta terviklikku disainivisiooni: ta sai töötada sama kergusega siltides, ettevõtte identiteetides, raamatutes, interjöörides või pakendites.
Tema kuulsamate teoste hulgas on 70. aastate New Yorgi metroo skemaatiline kaart, millel ta taandas keeruka liinivõrgu selge värvide ja sõlmede diagrammSee mudel inspireeris transpordisüsteeme kogu maailmas. Ta kujundas ka American Airlinesi identiteedi ja populariseeris selliste kirjatüüpide nagu Helvetica ja Bodoni distsiplineeritud kasutamist.
Vignelli väitis, et disainerid peaksid esmalt otsima tellimuse sügavat tähendust, et teha sidusaid ametlikke otsuseid. Tema moto „Kui sa suudad kujundada ühe asja, suudad kujundada kõike“ peegeldab terviklikku vaadet sellele erialale. mis sobib väga hästi mitmekülgse disaineriga, mida turg tänapäeval nõuab.
Herb Lubalin: tüpograafia sõnumiga
Herb Lubalin murdis tüpograafia ja trükikujunduse valdkonnas reegleid. Cooper Unionis õppinud mees ei mõistnud tähti mitte ainult lugemismärkidena, vaid ka ... plastvormid, mis on võimelised ise lugusid jutustama.
Tema stuudiost sündisid legendaarsed teosed, näiteks Avant Garde'i kirjatüüp, mis loodi algselt samanimelise ajakirja jaoks ja mis kehastas 60. aastate lõpu eksperimentaalset vaimu. Kuulus on ka tema logo „Ema ja laps“, mille „o“-täht sõnast „ema“ sisaldab leidlikult lapse kuju, mis on ideaalne näide... kuidas lihtne tüpograafiline mäng saab edastada võimsat kontseptsiooniSelle mõju on ilmne alati, kui näeme kompositsiooni, kus tähed on venitatud, kokku sobitatud või ühendatud, et luua kahetise tähendusega pilt. Tänapäeval kasutavad seda paljud disainerid. tasuta fonte tüpograafiliste eksperimentide lähtepunktina.
Ajakirja U&lc (Upper & Lower Case) kaasasutajana kujundas ta oma aja tüpograafiadebatti. Tema mõju on ilmne alati, kui näeme kompositsiooni, kus tähed on venitatud, kokku sobitatud või ühendatud, et luua kahetise tähendusega pilt.
Raymond Loewy: kui tööstus- ja graafiline disain ühendavad jõud
Raymond Loewyt peetakse „moodsa tööstusdisaini isaks“, kuna ta ei kujundanud ümber mitte ainult ronge, autosid ega kodumasinaid, vaid jättis ka tohutu jälje maailma. bränding ja massiline tarbijapakend.
Pärast Esimest maailmasõda naturaliseerus ta Ameerika kodanikuks ning töötas selliste kaubamärkide heaks nagu Shell, Coca-Cola ja Lucky Strike, kujundades logosid ja pakendeid ümber, et kohandada neid moodsa ja voolujoonelise esteetikaga. Tema mantra "MAYA" (kõige arenenum, kuid siiski vastuvõetav) selgitas seda pidevat innovatsioonipüüdlust, viies selle piiridesse, mida avalikkus suutis vastu võtta ilma tagasilükkamiseta.
Tema töö tegi selgeks, et hea disain võib olla turunduse parim liitlane: See muutis modernsuse, efektiivsuse ja progressi väärtused käegakatsutavaks. mida paljud ettevõtted tahtsid tarbijakulutuste tippajal edastada.
Plakatite, krediitide ja massilise visuaalkultuuri meistrid
On disainereid, kelle looming on popkultuuris nii sügavalt juurdunud, et isegi disainimaailmaga mitte tuttavad inimesed tunnevad nende pildid kohe ära. Neist rääkimine on sama mis rääkimine... kino, muusika, sotsiaalsed liikumised ja terved linnad muudeti logoks.
Saul Bass: Tiitrite järjestuse revolutsioon
Saul Bass oli see, kes veenis Hollywoodi, et algustiitrid võivad olla omaette kunstiteosed. Konstruktivismist ja Bauhausist mõjutatuna disainer György Kepesi kaudu rakendas ta lihtsad geomeetrilised kujundid, kollaaž ja ebaregulaarne tüpograafia plakatitele ja filmide alguskaadritele.
Ta töötas koos selliste režissööridega nagu Hitchcock, Preminger, Wilder, Kubrick ja Scorsese, luues selliseid kultusfilme nagu "Vertigo", "Psycho", "Mõrva anatoomia", "Mees kuldse käega" ja "West Side Story". "Psycho" puhul tegi ta isegi dušistseeni süžeeskeemi, näidates oma pühendumuse ulatust. Tema graafiline visioon mõjutas filmi tooni..
Lisaks filmikunstile kujundas ta logosid sellistele hiiglastele nagu AT&T, United Airlines, Minolta ja Bell ning 84. aasta Los Angelese olümpiamängude plakati. Tema minimalistlik ja mõjukas stiil on endiselt eeskujuks kõigile selles valdkonnas töötavatele inimestele. liikuva graafika või kultuuriplakatid.
Milton Glaser: filmist „I ♥ NY” terve sajandi kujuteldava looni
Milton Glaser on lihtsalt legend. New Yorgi elanik, Push Pin stuudio ja New York Magazine'i kaasasutaja, ühendas endas andekust nagu vähesed teised. Illustratsioon, tüpograafia ja visuaalne mõtlemine koheselt äratuntavas keeles.
Tema kuulsaim teos on logo „I ♥ NY”, mis loodi 70ndatel tasuta linna turismi edendamiseks ja millest on sellest ajast alates saanud üks ajaloo enim reprodutseeritud ja kohandatud ikooneKuid oleks ebaõiglane seda vaid sellele taandada: ta kujundas üle 300 plakati, lugematul hulgal raamatu- ja ajakirjakaani, ettevõtete identiteete ning kampaaniaid institutsioonidele ja kaubamärkidele.
Tema Bob Dylani plakatid, New York Magazine'i ümberkujundamine ja töö selliste organisatsioonide heaks nagu WHO (näiteks 1987. aasta AIDSi plakat) näitavad tema võimet sünteesida keerulisi sõnumeid üheks tervikuks. puhtad, värvilised ja sümboolikat täis pildidLisaks kaitses ta alati ühist hüve silmas pidavat disainieetikat, mis on tänapäeval sotsiaalse mõjuga projektides väga oluline.
Storm Thorgerson: sürrealism roki teenistuses
Kui mõelda püramiidile, mida läbistab värvispektriks jaotatud valguskiir, tuleb meelde Storm Thorgerson. See Briti disainer ja stuudio Hipgnosis kaasasutaja tõstis albumikaaned ... sürreaalne ja kontseptuaalne territoorium.
Ta vastutas suure osa Pink Floydi visuaalse kujunduse eest („The Dark Side of the Moon“, „Wish You Were Here“, „The Division Bell“), aga ta töötas ka Led Zeppelini, Black Sabbathi, Genesise, Europe'i, Muse'i, The Cranberriesi ja Peter Gabrieli heaks. Tema albumite kaaned olid sageli kombineeritud... Hoolikalt teostatud fotograafia ja võimatud montaažidluues unenäolisi stseene, mis jäävad sinuga meelde.
Thorgerson mõistis albumit tervikliku kogemusena: muusika ulatus visuaalsele kihile, nii et kaanest sai värav bändi helimaailmaTema mõju on endiselt väga elav muusikalises disainis ja kampaaniates, mis otsivad seda kummalisust, mis sunnib sind kaks korda vaatama.
Peter Saville: kui plaat on ka graafiline manifest
Teine oluline nimi albumikaantel on Peter Saville. Seotud Factory Recordsiga alates 70ndate lõpust, lõi ta kaante sellistele bändidele nagu Joy Division, New Order, OMD ja Roxy Music.
Joy Divisioni loo "Unknown Pleasures" kaas, mis põhineb pulsari raadiolainetel, on üks neist kujundustest, mis on muusikalisest kontekstist hüpanud ja saanud... ikoon, mida reprodutseeritakse T-särkidel, plakatitel ja igasugustel meediakanalitelTeoses „Võim, korruptsioon ja valed“ kasutas ta 19. sajandi lillemaali koos industriaalse värvikoodiga, ühendades säravalt kõrgkultuuri ja popkultuuri.
Lisaks muusikalisele tööle on ta teinud koostööd selliste ettevõtete nagu Lacoste ja Calvin Klein brändiidentiteetide loomisel ning kõrgetasemeliste projektide kallal, näiteks 2002. aasta Inglismaa jalgpallikoondise vormiriietuse loomisel, kus ta kandideeris. kaine minimalism, mis on kaugel spordile omasest visuaalsest mürast.
Chip Kidd: raamatukaante mees
Kirjastusmaailmas on Chip Kiddil sarnane koht Saville'i või Thorgersoniga muusikas. Knopfi disainerina alates 80. aastatest on ta muutnud arusaama sellest, kes [kujundaja/kujundaja] olla saab. nutikas ja omanäoline äriraamatu kaas.
Tema kaanekujundus raamatule „Jurassic Park”, millel on kujutatud T-Rexi skeleti siluetti, on muutunud nii ikooniliseks, et isegi filmiversioon ammutas inspiratsiooni sellest sümbolist. Ta on töötanud ka Haruki Murakami, Cormac McCarthy, Augusten Burroughsi ja paljude teiste autoritega, otsides alati kontseptuaalne pilt, mis võtab kokku teksti olemuse enamat kui lihtne sõnasõnaline kokkuvõte.
Nende lähenemine on näidanud, et hea kaas ei ole luksus, vaid turundusvahend ja samal ajal ka disainielement oma väärtusega, mis on eriti aktuaalne tänapäeval küllastunud kirjastusturul.
Visuaalne identiteet, bränding ja graafilised süsteemid, mis on tähistanud oma ajastut
Lisaks üksikutele esemetele on disainereid, kes on loonud autentseid identiteet, sildid ja brändingusüsteemid mis määratlevad linnade, institutsioonide ja globaalsete kaubamärkide kuvandi.
Otl Aicher: piktogrammid, millest kõik aru saavad
Legendaarse Ulmi koolkonna kaasasutaja Otl Aicher on tuntud eelkõige 1972. aasta Müncheni olümpiamängude identiteedi poolest. Tema puhas, modulaarne ja ideaalselt loetav spordipiktogrammide süsteem sai... rahvusvaheliste ürituste visuaalse kommunikatsiooni standard.
Lisaks sellele kujundas ta maskoti Waldi ja arendas identiteete sellistele ettevõtetele nagu Lufthansa või Braun, rakendades alati selguse, korratavuse ja järjepidevuse kriteeriumid kõigis meediakanalitesTema mõtteviis süsteemide, mitte üksikute osade osas sobib 100% ulatuses liidese ja digitaalse tootekujunduse loogikaga, mida me tänapäeval kasutame.
Lance Wyman: Mehhiko 68 ja integreerumine kohaliku kultuuriga
Ameeriklane Lance Wyman lõi veel ühe suure olümpiaidentiteedi: Mehhiko 1968. aasta identiteedi. Ta segas Kolumbuse-eelse kunsti inspireeritud graafilisi vahendeid kontsentriliste joonte opkunsti esteetikaga, et luua... visuaalne keel on sama võimas kui kaugelt äratuntav.
See identiteet laienes piktogrammidele, siltidele, toimumiskoha suunajuhistele ja müügile, näidates, kuidas hästi disainitud süsteem saab korraldada miljonite inimeste kogemust keerulisel ürituselTa kujundas ka tänapäevalgi kasutusel oleva Mehhiko metroo sildid selgete ja kergesti meeldejäävate ikoonidega.
Lance Wyman ja Cruz Novillo: Institutsiooniline identiteet ja riik
Hispaanias võiks selliste disainerite nagu Vignelli või Rand vasteks olla Cruz Novillo. See Cuencast pärit loomeinimene on oma väga pika karjääri jooksul loonud logosid, mis on nüüdseks osa riigi ikonograafiast: PSOE, Renfe, Correos, riiklik politsei, El Mundo ja hea hulk avalikke asutusi ja ettevõtteid.
Tema ratsionalistlik ja geomeetriline stiil eelistab lihtsaid, modulaarseid ja tähendusrikkaid sümboleid, mis on võimelised ellu jääma poliitiliste muutuste ja esteetiliste trendide ajal. Paljud tema kujundused on endiselt kasutusel aastakümneid hiljem, mis räägib palju tema kestvast mõjust. nende võime luua ajatuid ja äärmiselt funktsionaalseid kaubamärke.
Paula Scher: suuremahuline tüpograafia ja linnakultuur
Paula Scher, New Yorgi Pentagrami partner, on kultuurilise brändingu ümber defineerinud selliste projektidega nagu The Public Theater'i identiteet, kuhu ta kandideeris jõulised kirjatüübid, tihedad kompositsioonid ja väga New Yorgi energiaSee graafiline süsteem ujutas üle plakatid, brošüürid, sildid ja kampaaniad, luues stiili, mida kopeeriti iivelduseni.
Ta on vastutanud ka selliste tuntud brändide eest nagu Citi (pärast Travelersi ja Citicorpi ühinemist), projektide eest Microsoftile, Coca-Colale, Bloombergile, Shake Shackile ning selliste institutsioonide nagu MoMA, High Line ja New Yorgi Filharmoonia jaoks. Lisaks on ta arendanud hiiglaslikud tüpograafilised kaardid mis muudavad linnad tähtede ja värvidega täidetud seinamaalinguteks.
Tema töö, mis on pärjatud selliste auhindadega nagu AIGA medal, Type Directors Clubi medal ja riiklik disainiauhind kommunikatsiooni valdkonnas, näitab, et bränding võib olla mõlemat. strateegiline, populaarne ja formaalselt riskantne.
Michael Bierut: disaini demokratiseerimine rangust kaotamata
Michael Bierut, kes on ka Pentagrami partner, on kaasaegse ettevõtte disaini suurkuju. Ta on õppinud Vignelli Associates'is ja töötanud selliste klientide heaks nagu The New York Times, Saks Fifth Avenue, MIT Media Lab, Mastercard, Princetoni Ülikool, Brooklyni Muusikaakadeemia või Hillary Clintoni presidendikampaania.
Tema „H” logo koos Clintonit tähistava noolega, MIT Media Labi modulaarne identiteet või Mastercardi minimalistlik ümberbrändimine on näited sellest, kuidas ta disaini kui selguse, ligipääsetavuse ja järjepidevuse tööriistLisaks sellele on ta Yale'i ülikooli kriitik ja õppejõud ning Design Observeri veebisaidi kaasasutaja.
Tema idee „disaini demokratiseerimisest” – selle arusaadavaks ja kasulikuks muutmisest ilma sügavust kaotamata – sobib väga hästi digitaalsete toodete praeguse kontekstiga, kus Iga liidesega seotud otsus mõjutab miljoneid kasutajaid.
Tüpograafia, kirjastamine ja trükitud raamat digitaalajastul
Kuigi oleme aastaid kuulnud, et paber kaob ära, on tegelikkuses trükitud raamatud ja füüsilised väljaanded tänu disaineritele, kes kogevad omamoodi teist noorust. Nad suhtuvad kaantesse, interjööri ja toimetuslikesse materjalidesse äärmiselt hoolikalt..
Sellesse valdkonda kuuluvad sellised tegelased nagu Coralie Bickford-Smith, Jim Stoddart, Allison Colpoys, Barbara de Wilde, Charlotte Strick ja Phil Baines, kes vastutavad kogude ja kaante fondid kus disain muudab raamatu sisust kaugemal olev ihaldusobjektReljeefid, spetsiaalsed tindid, peened tüpograafilised kompositsioonid ja loomingulised köitelahendused teevad paljudest väljaannetest kollektsioonieseme.
Kogu see liikumine väärtustab paberit uuesti ja näitab, et ekraanide maailmas on armastusega kujundatud füüsilistel objektidel endiselt väärtus. tohutu emotsionaalne ja kommertslik jõudToimetuse disainiga tegelevate inimeste jaoks on see valdkond, kus nad saavad õppida rütmi, hierarhia ja materiaalsuse kohta, mida saab seejärel üle kanda ka digitaalsesse valdkonda.
Grunge disain, postmodernism ja reeglite rikkumine
Disainis ei ole kõik seotud Šveitsi korra ja korporatiivse minimalismiga. 20. sajandi lõpus ja 21. sajandi alguses pühendusid mitmed disainerid... teadlikult rikkuda loetavuse, kompositsiooni ja hierarhia reegleidavades teid, mida me nüüd normaalsetena näeme.
Neville Brody: punk, ajakirjad ja eksperimentaalne tüpograafia
Neville Brody sai täiskasvanuks punkliikumise kõrgajal ja see on ilmne kogu tema loomingus. 80ndatel selliste ajakirjade nagu The Face ja Arena kunstilise juhina muutis ta täielikult noorteväljaannete kujundamise viisi: moonutatud kirjatüübid, ebatüüpilised hierarhiad, agressiivne tühik ja kompositsioonid, mis näisid lehte murdvat.
Ta on kujundanud ka kirjatüüpe nagu FF Blur ja FF Pop ning töötanud korporatiivprojektide kallal sellistele väljaannetele nagu The Times (kus ta kaasajastas Times New Romani), Coca-Cola, Samsung ja Dior. Ta propageerib mõtlemapanevat disaini, millel on sotsiaalne funktsioon, vastandina lamedale ja igavale disainile.
David Carson: grunge-disaini isa
David Carson tuli disaini juurde surfimise ja popkultuuri vallast, mis seletab tema ikoonilist loomust. Selliste ajakirjade nagu Transworld Skateboarding, Surfer, Beach Culture ja eriti Ray Gun kunstilise juhina pööras ta valdkonna pea peale. kompositsiooni ja loetavuse klassikalised reeglid.
Tema grunge-stiil põhineb peaaegu loetamatul tekstil, kattuvatel plokkidel, toore töödeldusega piltidel ja kirjatüüpide segul, mis teoreetiliselt "ei peaks" koos eksisteerima. Sellegipoolest õnnestus tal luua side põlvkonnaga, kes nägi nendes lehekülgedes 90ndate kultuurilise kaose visuaalset tõlget.
Ta on teinud koostööd selliste brändidega nagu Levi's, Nike, Pepsi, Emporio Armani, Samsung ja Pepsi, kujundanud plakateid San Sebastiáni surfifilmide festivalile ja World Surf League'ile ning kogunud üle 200 auhinna, mis tõestavad, et Võib olla radikaalne ja samal ajal suurklientide poolt väga nõutud.
Stefan Sagmeister: provokatsioon, kunst ja õnn
New Yorgis elav austerlane Stefan Sagmeister on tuntud nii oma albumiümbriste (The Rolling Stones, Lou Reed, David Byrne jt) kui ka isiklike õnne ja elu mõtte teemaliste projektide poolest. Oma stuudios Sagmeister Inc. ja hiljem Sagmeister & Walshis on ta uurinud äärmuslikud füüsilised formaadid, sekkumised kehasse endasse ja ootamatutest materjalidest loodud tüpograafilised kompositsioonid.
Kuulus näide on ühe tema ettekande plakat, millel ta teksti pealiskaudsete lõigete abil sõna otseses mõttes oma nahale söövitas. Sellised otsused, mis asuvad kuskil etenduse ja disaini vahepeal, muudavad tema loomingut raskesti kategoriseeritavaks.
Tänapäeval, lisaks sellistele projektidele nagu „The Happy Show“ ja „The Happy Film“, mõtiskleb Sagmeister disaini, emotsioonide ja heaolu vahelise seose üle, väites, et Disainer saab reaalsust kahtluse alla seada, mitte ainult tooteid kaunistada.
Digitaalne disain, interaktsioon ja veeb: liidesest liikumiseni
Interneti ja ekraanide levikuga on tekkinud eeskujud, kelle peamine mänguväljak pole enam paber, vaid kood, animatsioon, kasutajakogemus ja interaktsioon.
Yugo Nakamura: interaktiivne luule veebis
Yugo Nakamura, tuntud ka kui Yugop, on üks interaktiivse veebidisaini teerajajaid. Hariduselt inseneri ja arhitektina hakkas ta juba varakult huvituma sellest, kuidas liidesed saavad... reageerida kasutaja interaktsioonidele orgaaniliselt ja sujuvalt.
Alates eksperimentaalsetest projektidest nagu „MONO*crafts” kuni kommertstööni sellistele brändidele nagu NEC või UNIQLO („UNIQLO Grid”) on ta näidanud, et veebisait võib olla enamat kui lihtsalt staatilised lehed: Sellest võib saada mänguline, peaaegu füüsiline kogemustänu animatsioonidele, simuleeritud füüsikale ja hoolikalt kujundatud visuaalsetele reaktsioonidele.
Ta on pälvinud auhindu nagu Cannes Cyber Lions, Clio Awards või One Show ning tema lähenemine inspireerib jätkuvalt neid, kes töötavad tänapäeval digitaalsete toodete rikkalike liideste, mikrointeraktsioonide ja liikumisdisaini rakendamisega.
Susan Kare: ikoonid, mis inimlikustasid personaalarvuti
Enne emotikonide ja igapäevaste vektorikoonide süsteemide olemasolu oli Susan Kare juba disaininud naeratavad näod ja lihtsad visuaalsed metafoorid et tuua arvutikasutust tavakasutajale lähemale.
Apple palkas ta 80. aastate alguses ning tema ülesandeks oli luua algse Macintoshi ikoonid: „Õnnelik Mac”, prügikast, kettaikoon, käsusümbol jne, aga ka esimesed bitmap-fontid (Chicago, Geneva jne). Tema töö muutis tehnilised toimingud... arusaadavad ja isegi sõbralikud žestid.
See põhimõte – kasutada selgeid ja sõbralikke visuaalseid metafoore uue liidese arusaadavaks muutmiseks – jääb UX/UI disainis aluseks. Kare pärand on iga kord olemas. Lihtsustame keerulise toimingu intuitiivseks ikooniks.
Suured nimed kaasaegses graafilises disainis
20. sajandi lõpus ja 21. sajandi esimestel kümnenditel on tekkinud uus disainerite põlvkond, kes liiguvad sujuvalt erinevate stiilide vahel. bränding, kirjastamine, digitaalne, kunstiinstallatsioon ja aktivismPaljud neist on juba vaieldamatud eeskujud.
Jessica Walsh: Värv, emotsioonid ja loominguline juhtimine
Jessica Walsh on üks kaasaegse disaini silmapaistvamaid tegelasi. Pärast õpinguid Rhode Islandi disainikoolis ja töötamist sellistes firmades nagu Pentagram sai temast kõigest 25-aastaselt Sagmeister & Walshi partner ning hiljem asutas ta oma stuudio &Walsh.
Tema stiil ühendab fotograafia, illustratsiooni, lavakujunduse ja tüpograafia julge värvikasutusega, luues kampaaniaid ja brände. väga emotsionaalne ja visuaalselt äratuntavTa on töötanud selliste klientide heaks nagu Aizone, kultuuriasutuste, meediaväljaannete (nt The New York Times või Print) ja suurte globaalsete kaubamärkide heaks.
Lisaks viirusprojektidele nagu „40 päeva kohtingutel“ või „12 sorti lahkust“ (koos Timothy Goodmaniga) edendab ta algatusi nagu „Ladies, Wine & Design“, mis on ülemaailmne võrgustik, mis See toetab loomingulisi naisi ja edendab võrdõiguslikkust selles valdkonnas.Tema isiksus ühendab endas visuaalse ande, ärivaistu ja aktivismi.
Tibor Kalman: Disain kui sotsiaalne kriitika
Tibor Kalman, M&Co stuudio juht ja Benetton's Colorsi ajakirja toimetaja, oli üks 80ndate ja 90ndate suurimaid disainiuuendajaid. Ta kasutas disaini mitte ainult toodete müümiseks, vaid ka ebamugavate teemade käsitlemiseks: rassism, ebavõrdsus, sõda, tarbimine.
Iga Colorsi väljaanne oli üles ehitatud visuaalse monograafiana globaalsel teemal, mille pildid tekitasid lugejas sageli ebamugavust. Nende töö brändingu, kellade, kaante ja plakatite kallal hõlmas alati järgmist: iroonia, hukkamõistu või mõtiskluse punkt mis distantseeris seda puhtalt dekoratiivsest disainist.
Tema arusaam käsitööst on endiselt eeskujuks neile, kes näevad disaini kui poliitiline ja sotsiaalne tööriist, mitte ainult äriline..
April Greiman: digitaalse disaini teerajaja
April Greiman oli üks esimesi, kes võttis arvuti omaks loomingulise tööriistana ajal, mil paljud kolleegid suhtusid sellesse veel kahtlustavalt. Šveitsi traditsioonide järgi koolitatud, kolis ta Los Angelesse ja hakkas katsetama skaneerimine, pikslistamine, ülekatted ja digitaalne komposiit 80ndatel.
Tema teos „Kas see on mõistlik?“ ajakirjale Design Quarterly, omamoodi lahtikäiv plakat, mis oli täis pilte, teksti ja digitaalseid elemente, tähistas pöördepunkti, näidates, et Arvutikeel võiks olla sama väljendusrikas kui tint.Sellest ajast alates on tema töö olnud võtmetähtsusega digitaalse disaini kui omaette loomingulise valdkonna legitimeerimisel.
Seymour Chwast: illustratsioon, satiir ja pühendumus
Seymour Chwast, kes asutas koos Milton Glaseriga Push Pin Studiose, on loonud omanäolise hääle, mida iseloomustavad julged, koomiksilikud illustratsioonid, mis on täis tähendust. Tema Vietnami sõja vastased plakatid on selle sõja sümboliks. kuidas graafikat saab poliitiliselt positsioneerida.
Ta on illustreerinud raamatuid, kaasi ja kampaaniaid ning tema esteetika on inspireerinud lugematul hulgal ajakirjade illustraatoreid. Tema töödes propageeritakse ... ühendamist. populaarne kunst, visuaalne narratiiv ja kriitiline sõnummodernistlikust asepsisest eemaldumine.
Hispaania ja Ladina-Ameerika muusikamaastik: ainulaadsed ja väga võimsad hääled
Kõik ei juhtu Ameerika Ühendriikides, Ühendkuningriigis või Šveitsis. Hispaaniakeelses maailmas on disainereid ja illustraatoreid, kelle tööd Tal on võimas isiksus ja rahvusvaheline mõju..
Javier Mariscal ja Alberto Corazón: kaks sammast Hispaanias
Javier Mariscal on tänu Cobile, Barcelona 92. aasta olümpiamängude maskotile, ilmselt üks populaarsemaid nimesid Hispaania disainis. Kuid tema karjäär ulatub sellest palju kaugemale: Ta on töötanud skulptuuri, arhitektuuri, mööbli, brändingu, graafiliste romaanide, filmi, animatsiooni, sisekujunduse ja ajakirjanduse kujunduse alal..
Tema pingevaba, värvikas ja mõnevõrra naiivne stiil on aidanud luua värske ja ligipääsetava Vahemere disainikuvandi. Ta on tõeliselt loominguline ja mitmekülgne inimene.
Alberto Corazón oli omalt poolt demokraatliku Hispaania visuaalse identiteedi loomisel ülioluline. Ta kujundas identiteete sellistele institutsioonidele nagu Rahvusraamatukogu, Cercanías Renfe (Hispaania riiklik raudtee-ettevõte), ONCE (Hispaania pimedate organisatsioon), Paradores (riiklik hotellikett), SGAE (Hispaania autorite ja kirjastajate ühing), Mapfre, Anaya, Madridi autonoomne ülikool, riiklik klassikalise teatri trupp ja La Casa del Libro (Hispaania raamatupoodide kett). Tema logosid on saatnud riigi institutsiooniline moderniseerimine ja paljud neist on tänapäevalgi asjakohased.
Óscar Mariné: Hispaania kino, ajakirjandus ja visuaalkultuur
Óscar Mariné on veel üks Hispaania disaini juhtiv tegelane, keda tuntakse oma filmiplakatite (näiteks Almodóvari filmile „Kõik minu emast“ või Álex de la Iglesia filmile „800 kuuli“), Matadero Madridi siltide ja toidulisandite nagu Babelia, El País ja El País Semanal graafiline ümberkujundus.
Tema loomingus on ühendatud suurepärane tüpograafiline sujuvus, ekspressiivne värvikasutus ja linna- ning muusikakultuuriga sügavalt seotud tundlikkus. Ta on kujundanud ka Vargas Llosa raamatute kaane ja kampaaniaid sellistele brändidele nagu Absolut, alati koos väga isikupärane ja äratuntav stiil.
Alex Trochut ja Andreas Preis: tüpograafia ja geomeetriline illustratsioon
Katalaani kunstnik Alex Trochut on rahvusvaheliselt tõestanud end kui üks tüpograafia ja illustratsiooni juhtivaid tegelasi. Tema kolmemõõtmeline kiri, minimalistlikud kompositsioonid ja mahumängud on viinud ta tööle ettevõttes Nike, The Rolling Stones, British Airways, Coca-Cola, Nixon ja arvukad loovagentuurid.
Sakslane Andreas Preis paistab silma oma geomeetrilistel kujunditel, joonimustritel ja väga detailsetel kompositsioonidel põhinevate illustratsioonide poolest, mida rakendatakse peamiselt projektide puhul, mis on seotud ... reklaamidisain ja bränding sellistele kaubamärkidele nagu Nike või DC ComicsMõlemad on näited sellest, kuidas tüpograafia ja illustratsioon üha enam kommertslikus mõttes ühinevad.
Coco Dávez, Ricardo Cavolo, Isidro Ferrer ja Ixchel Estrada: illustratsioon lipuna
Illustreerivamalt öeldes on mitu nime, mis praegu trende loovad. Coco Dávez (Valeria Palmeiro) on loonud popi, lameda ja värvika universumi, mis on koheselt äratuntav, töötades selliste brändide heaks nagu Chanel, Shiseido, Netflix, Kenzo, Dior, Prada, Vogue, Eastpak või NespressoTema looming hõlmab maalimist, fotograafiat ja kunstilist suunda.
Ricardo Cavolo on tuntud erksate värvide, sümbolite, tätoveeringute ja rahvamotiividega illustratsioonide poolest, mille keskmes on sageli marginaliseeritud tegelased või mõnevõrra „normaalsed” teemadTema illustreeritud uustõlgendusi sellistele teostele nagu "Mustlasballaadid" peetakse juba kaasaegseks klassikuks.
Draamakunstis õppinud Isidro Ferrer segab igapäevaseid esemeid, sürrealismi ja huumorit, et luua plakateid ja pilte, mis jutustavad. keerulised lood väheste elementidegaTema El Paísi või Riikliku Draamakeskuse projekte uuritakse laialdaselt disainikoolides.
Mehhiko kunstnik Ixchel Estrada on veel üks võtmeisik Ladina-Ameerika ajakirjanduslikus illustratsioonis, kes on teinud koostööd Santillana, SM, UN Environmenti, Oxford University Pressi, Algarabía, Letras Librese ja paljude teistega. Tema detailirohked ja tähendusrikkad joonistused on valitud arvukatesse Ibero-Ameerika illustratsioonikataloogidesse ja eksponeeritud rahvusvaheliselt.
Gail Anderson ja Elana Schlenker: uued vaatenurgad kirjastamisest
Gail Anderson, New Yorgis elav disainer, kirjanik ja õppejõud, on endale nime teinud töödega ajakirjadele Rolling Stone, Boston Globe Sunday Magazine, Vintage Booksile ja arvukatele kultuuriprojektidele. Tema looming on elav, tekstuuririkas ja tugeva sotsiaalse südametunnistusega, mis on pälvinud talle arvukalt auhindu. AIGA, Type Directors Club, Society of Publication Designers, Cooper Hewitt ja teised.
Elana Schlenker, kes on alates 2011. aastast pidanud oma stuudiot, töötab visuaalse identiteedi, toimetusliku ja interaktiivse disaini alal muuseumidele, ülikoolidele, kirjastustele ja kultuuriprojektidele. Tema töid on eksponeeritud sellistes kollektsioonides nagu MoMA ja Victoria & Alberti muuseum ning neid iseloomustab... väga hoolikas lähenemine kompositsioonile, värvile ja materjalidele.
Disaineri roll tänapäeva visuaalkultuuris
Kogu see teekond näitab, et tänapäeva graafiline (ja veebi)disainer on rikkaliku traditsiooni pärija ja samal ajal kohustatud pidevalt uuesti õppima tööriistu, keeli ja konteksteFilmiplakatitest rakendusteni, institutsioonide logodest liideste ikoonideni, trükitud raamatutest animeeritud esitusloendite ümbristeni – sama käsitöö avaneb tuhandel erineval moel.
Eeskujud, keda oleme näinud – Paul Randist, Saul Bassist ja Milton Glaserist kuni Jessica Walshi, Yugo Nakamura ja Coco Dávezini – näitavad, et ühte ja sama õiget teed pole olemas: Mõned valisid äärmise reduktsiooni ja ruudustiku, teised ekspressiivse korratuse; mõned töötasid suurkorporatsioonides, teised sotsiaalsetes liikumistes ja sõltumatutes projektides.Neid ühendab võime sünteesida keerulisi ideid meeldejäävateks kujunditeks, mis on kooskõlas nende ajakavaga.
Nende trajektooride mõistmine ei ole lihtsalt üldteadmiste harjutus: see on viis oma vaimse tööriistakasti laiendamiseks. Mida rohkem visuaalseid keeli te viitena omandate – Šveitsi modernismist 90ndate grunge'ini, rokkalbumite ümbriste sürrealismini või poeetilise suhtluseni veebis – Mida rohkem ressursse teil on, seda paremini olete varustatud oma hääle leidmiseks ja klientide, institutsioonide või teie enda isiklike projektide tekitatud suhtlusprobleemidele reageerimiseks.Lõppkokkuvõttes jääb graafiline ja veebidisain ikkagi selleks põnevaks kunsti, tehnoloogia ja igapäevaelu ristumiskohaks, mida need disainerid on aidanud luua ja mõista. tehisintellekti roll Disainis on see osa pidevast õppimisest.
